CONVERSACIONES 2023
En su tercera edición (2023), en el primer semestre, ofrece un programa de formación libre y flexible para personas dedicadas o interesadas en temas de arte-educación, a cargo de referentes a nivel internacional.
Se hace particular énfasis en la acción pedagógica y los programas educativos que ofrecen museos y centros de arte que son los que más contacto tienen con el público para fomentar y generar pensamiento en el marco de las distintas propuestas artísticas.
El ciclo propone arrojar nueva luz sobre uno de los objetivos de RESET: repensar el sentido de las instituciones culturales en el mundo actual.
#1. CICLO ARTE+EDUCACIÓN:
Sofia Olascoaga
El miércoles 29 de marzo a las 17h, en un nuevo encuentro online de RESET, la artista, educadora, curadora e investigadora mexicana Sofía Olascoaga inaugura una edición dedicada a pensar los cruces entre arte y pedagogía, e invita a concebir estas prácticas como búsquedas o viajes que se construyen de forma singular en cada caso, pero siempre se construye con otros
Sofia Olascoaga lleva bastante tiempo trabajando en la intersección entre el arte y la educación, generando dispositivos o espacios de creación colectiva de conocimiento y experimentación a partir de esos conceptos. Una de sus últimas investigaciones, que le llevó años, desembocó en proyectos distintos pero que de algún modo cuestionan aquello de la escuela como molde de la sociedad, o lo que el pensador Iván Ilich describe como “imaginación institucionalizada”.
“¿Qué tipo de escuelas llevamos adentro?, o ¿cuáles arrastramos a lo largo de nuestra vida?” se preguntaba Sofía, en relación a nuestra experiencia en la escuela y a la producción de subjetividad que se da en relación al vínculo con la institución.
Con una vasta experiencia de prácticas e investigación en museos, bienales y proyectos autogestivos que exploran formas alternativas de concebir la vida en común, examina el impacto que esto puede tener en las formas de entender el aprendizaje, la enseñanza y lo que aceptamos como conocimiento. Su tarea de investigación, fuertemente anclada en la praxis, corre por los bordes de lo académico. En Utopía y desencanto, en su rol curatorial en la 32a Bienal de San Pablo, o más recientemente en proyectos como La nutridora, Sofía busca abrir nuevos caminos para la creación de escenarios que exploren el binomio arte-educación, mediante formatos alternativos de intercambio, tanto dentro como fuera de las instituciones artísticas.
Durante el encuentro por zoom comparte su experiencia para arribar a reflexiones más generales sobre el campo que nos ocupa.
Sofia Olascoaga
Ciudad de México, México, 1980.Curadora educativa y artista visual. Su práctica se centra en las intersecciones del arte y la educación, a través de la exploración de encuentros, grupos de reflexión y programas públicos junto con artistas, teóricos, comisarios, educadores y una amplia gama de interlocutores institucionales e independientes. Olascoaga fue cocuradora de la 32ª Bienal de São Paulo Incerteza Viva; curadora académica en el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo – UNAM) en la Ciudad de México, 2014; becaria de investigación curatorial en Independent Curators International, 2011; y becaria curatorial Helena Rubinstein en el Programa de Estudios Independientes del Whitney Museum of American Art, 2010. Recibió su licenciatura en la Escuela Nacional de Bellas Artes La Esmeralda. En 2012, fue directora de clínicas de taller en el Simposio Internacional de Teoría del Arte Contemporáneo y, de 2007 a 2010, fue jefa de educación y programas públicos en el Museo de Arte Carrillo Gil, ambos en la Ciudad de México. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos, en México, en Prácticas Experimentales (2019-22), donde desarrolla el proyecto “La Nutridora: Una cocina para aprender”.
#2. CICLO ARTE+EDUCACIÓN:
Monica Hoff
“No puedo defender una práctica en educación en la que el dominio, control o dirección esté integralmente bajo mi comando. No sería coherente con lo que pienso. Cuando propones una situación muy controlada, estás planteando una educación dirigida a algo que tú quieres, o que tu imaginas que sea interesante o relevante, y no estoy segura de que éste sea el mejor camino” decía Mônica Hoff acerca de los modelos pedagógicos colaborativos en una entrevista con la revista Artishock.
“Generalmente están creados desde esta lógica: son propuestos por una o dos personas para una multitud que los pone en marcha. Me interesa mucho más la idea de organizarnos para juntos construir lo que queremos aprender y que cada quién pueda elaborar su metodología”. La definición describe la propuesta de esta curadora y doctora en Procesos Artísticos Contemporáneos por la Universidad del Estado de Santa Catarina. Hoff ha enfocado su investigación en las relaciones entre las prácticas curatoriales, artísticas y educativas y en cómo éstas contribuyen, friccionan y/o determinan, las políticas y pedagogías institucionales. Su proyecto artists-run art schools y como las metodologías artísticas se convierten pedagogías instituyentes, y éstas en escuelas, es uno de los temas que abordará durante el nuevo encuentro de RESET
Mónica Hoff
Porto Alegre, 1979] es artista, curadora e investigadora brasileña. A lo largo de su práctica, ha estado investigando las relaciones entre las prácticas curatoriales, artísticas y educativas y cómo estas contribuyen, friccionan y/o determinan las políticas y pedagogías institucionales. Es doctora en Procesos Artísticos Contemporáneos por la Universidade do Estado de Santa Catarina, con investigación sobre artists-run art schools y como metodologías artísticas se convierten en pedagogías instituyentes y estas en escuelas.
Sus proyectos recientes incluyen: Laboratório de Curadoria, Arte e Educação (2014-2019), en colaboración con Fernanda Albuquerque; Embarcação (2016-2018), espacio co-dirigido con Kamilla Nunes en Florianópolis, Brasil, que ha resultado en los proyectos Oficina Pública de Perguntas y La Grupa (2018); Escola Extraordinária (2018), escuela de arte cofundada con Kamilla Nunes; la expo Corazón Pulmones Hígado, co-comisariada con Andrea Pacheco en Matadero Madrid (2019-2020); y el programa Ni apocalipsis ni paraíso: meditaciones en el umbral, co-curado con Eva Posas, para la 2da edición de Materia Abierta, en México (2021).
Actualmente desarrolla el proyecto pedagogia em público, con el artista Fabio Tremonte; coordina con Jessica Gogan el Grupo de los domingos enfocado en el estudio y la traducción de la producción crítica de Frederico Morais al español; y coordina el Programa de Residencias Pivô Pesquisa, en Pivô, São Paulo, Brasil.
Ha publicado los libros Pedagogia no Campo Expandido, con Pablo Helguera, en 2011; Manual para curiosos y la antología La Nube, con Sofía Hernandez Chong Cuy, en 2013.
Desde hace años colabora en proyectos y publicaciones junto a instituciones como Matadero Madrid, Liverpool Biennial, Bienal de Cuenca, Bienal da Bahia, Colección Cisneros, De Appel Arts Centre, NC-Arte, Bienal de São Paulo, Museo de Arte de São Paulo (MASP), Fondazione Antonio Ratti, Museo Thyssen-Bornemisza, MACBA, MALBA, CasaMario (Montevideo), Teorética, MUAC, XIII Bienal FEMSA, CA2M, FelipaManuela, Es Baluard, Museo Reina Sofía, PAOS (Guadalajara), CdF (Montevideo), PERMEA (Valencia), PIVÔ (Brasil).
#3. CICLO ARTE+EDUCACIÓN:
Ana Moreno y Sofía De Juan " ¿Cómo negociar límites y proponer nuevos escenarios pedagógicos en instituciones culturales de larga tradición?"
¿Cómo negociar los límites y proponer nuevos escenarios pedagógicos sin confrontar la identidad de las instituciones culturales de larga tradición? Invitadas al ciclo RESET de mayo, Ana Moreno y Sofía de Juan trabajan en el departamento de educación del Museo Nacional del Prado. Con dos décadas de experiencia en el Museo Thyssen Bornemisza, Ana convocó a Sofía – con experiencia autogestiva y enfoque más radical – para analizar y generar nuevas miradas pedagógicas en términos de metodologías, uso del espacio y trabajo con el público que visita el museo, uno de los más relevantes de España.
Ana Moreno y Sofía de Juan
integran el departamento de educación del Museo Nacional del Prado en Madrid. Con dos décadas de experiencia previa en el Museo Thyssen Bornemisza, desde su rol actual como Directora en el departamento educativo del Prado, Ana convocó a Sofía – con experiencia autogestiva y enfoque más radical – para analizar y generar nuevas miradas pedagógicas en uno de los museos más relevantes y tradicionales de España.
En este nuevo encuentro abordaremos junto a ellas los desafíos y estrategias que se ponen en juego a la hora de pensar en la posibilidad de correr los límites impuestos por una institución de estas características.
Ana Moreno es Coordinadora del área de Educación y Mediación del Museo Nacional de Prado en Madrid desde 2018. Entre 2011 y 2017 dirigió el área de Educación del Museo Thyssen Bornemisza, donde previamente estuvo a cargo del Programa Didáctico (1998-2011). Es Licenciada en Geografía e Historia, con especialidad en Historia del Arte, por la Universidad Complutense de Madrid. Máster en Gestión Cultural: Turismo, Patrimonio y Naturaleza, por el Instituto Universitario José Ortega y Gasset. Ha publicado numerosos artículos sobre arte-educación en medios españoles e internacionales, así como participado de diversos congresos sobre el tema.
Sofía de Juan es creadora-educadora, investigadora y gestora cultural. Técnica de Desarrollo Educativo en el Museo Nacional de Prado en Madrid. Es especialista en medios audiovisuales, y en desarrollo de procesos colaborativos de creación y producción centrados en las personas a través de formatos no convencionales, así como prácticas artísticas ligadas a lo comunitario. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2001), cursó un posgrado en Arte, Cultura e Intervención Social (2014). Coordinó el área educativa de Hablar en arte (Madrid) dirigió Plataforma Indómita y formó parte del equipo educativo del MCTM, la Fundación Daniel y Nina Carasso, del Festival Photo España y del Queens Museum of Art de Nueva York.
#4. CICLO ARTE+EDUCACIÓN:
Ericka Flórez "Una pedagogia ritmica"
¿Cómo se encarnan las cosmogonías en los cuerpos y especialmente en las instituciones? ¿Cómo la experiencia del ritmo nos introduce en el concepto de antagonismo y como aquel concepto nos puede servir en los formatos pedagogicos? ¿Cómo construir visiones menos lineales de tiempo, espacio y otredad? ¿Cómo el baile de ciertos ritmos ayuda a pensar encarnadamente nuestras preguntas epistemológicas? La charla se realiza a partir de las investigaciones que cruzan arte, educación y su respectiva traducción a sonidos y movimientos dentro de los cuerpxs e instituciones de arte. Ericka Flórez ha sido curadora, profesora de niños, investigadora de la conexión entre la danza y las artes visuales, entre la salsa y Cali, su ciudad natal. Sus proyectos se presentan como publicaciones, curadurías y conferencias bailables.
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Cali, Colombia, 1983. Artista, editora y curadora. Estudió Psicología e hizo una especialización en Historia y teoría del arte moderno y contemporáneo. Cofundó La Nocturna, una plataforma para la experimentación con formatos discursivos y pedagógicos, y también La casa en el aire, un espacio para ensayar formas transdisciplinares de enseñanza para niños a través del arte. Sus conferencias bailables Hegelian Dancers y Sobredosis de amor se han presentado en distintos eventos y espacios en Colombia, México, Lituania, Holanda, España y China. Ha curado exposiciones, entre ellas el 14 Salón Regional de Artistas, Zona Pacífico, con Juan Sebastián Ramírez, y la sección de referentes de ARTBO con Pablo León de la Barra. Es autora de libros como: El blanco móvil, Hegelian Dancers, y Ficciones operativas; todos publicados en Colombia. Ha publicado artículos y ensayos en medios como el Guggenheim USB Map Global Art Initiative, Terremoto, y A* desk Critical Thinking.
Ericka Flórez
#5. CURADURÍA EXPANDIDA:
Marcos García "Laboratorios ciudadanos"
Los laboratorios ciudadanos son “lugares que facilitan la colaboración y la experimentación entre personas diferentes que se juntan para crear iniciativas que buscan mejorar la vida en un lugar”. A partir de esta definición, exploramos el potencial que tendría una red internacional de laboratorios ciudadanos: ¿podrían ser una infraestructura que permita formas de colaboración a distancia que potencien la singularidad y la especificidad de cada lugar?
Trabaja en el ámbito de los laboratorios ciudadanos. Entre 2003 y 2021 trabajó en Medialab Prado, donde fue su director entre 2014 y 2021. Actualmente asesora a diferentes organizaciones en la creación de laboratorios ciudadanos. Forma parte del consejo asesor de la Fundación Española de Ciencia y Tecnología y del consejo de cultura de la Organización de Estado Iberoamericanos.Gestor cultural y trabaja en el ámbito de los laboratorios ciudadanos. Entre 2014 y 2021 ha sido el director de Medialab Prado. Anteriormente, junto con Laura Fernández fue responsable educativo y de mediación de Medialab Madrid (2004-6) y del programa cultural de Medialab Prado (2006-14), donde impulsaron el proyecto Interactivos, un formato de taller de prototipado colaborativo que sirvió de base para el desarrollo de Medialab Prado y de su metodología de laboratorios ciudadanos.
Marcos García
#6. CURADURÍA EXPANDIDA:
Max Hinderer Cruz " Pensar la práctica curatorial más allá del norte global"
Una reflexión crítica y teórica que busca rastrear huellas y proponer formas de pensamiento y trabajo tanto a nivel curatorial como pedagógico, para pensar la práctica más allá del dominio epistémico del norte global. Desde el nuevo diseño historiográfico de las muestras, a la preponderancia actual de una práctica curatorial y educativa inclusiva que pueda dar una mejor visibilidad a las diferentes tensiones que se crean por los contextos políticos y coloniales que nos cruzan, y cómo desde esa tensión encontrar herramientas pedagógicas transversales que sirvan para transmitir la práctica artística, creando una multiplicidad de relaciones culturales que visibilizan cruces y conflictos que marcan históricamente la práctica institucional e artística en América latina.
Escritor, curador y filósofo boliviano-alemán. Actualmente es Co-director del Programa de Estudios Independientes (PEI) del Museo de Arte Contemporáneo (MACBA) de Barcelona. Anteriormente fue Director del Museo Nacional de Arte (MNA) en La Paz, Bolivia, y Director de la Academia de las Artes del Mundo (Akademie der Künste der Welt, ADKDW) en Colonia, Alemania.
Sus textos y ensayos han sido publicados en distintos catálogos, periódicos, revistas, publicaciones académicas en castellano, alemán, inglés, portugués y francés en medios latinoamericanos, europeos, norteamericanos y africanos.
Max Hinderer Cruz
#7. CURADURÍA EXPANDIDA:
Gabriel Alonso, del Instituto de Estudios Postnaturales "La curaduría: entre una extraña ecología y una naturaleza en tránsito"
Propone analizar las articulaciones entre las producciones culturales, la conciencia ecológica y los desafíos de las prácticas artísticas de diseño, investigación y curaduría, en la crisis climática actual.
El Instituto de Estudios Postnaturales es un centro de experimentación artística que explora y problematiza la posnaturaleza como marco de la creación contemporánea. Fundada en 2020, se concibe como una plataforma de pensamiento crítico, una red que reúne a artistas e investigadores preocupados por la crisis ecológica global mediante formatos experimentales de intercambio y producción de conocimiento abierto.
Gabriel Alonso
Artista e investigador, se ha formado entre la ETSAM (Madrid), la Technische Universität (Berlín), y la Universidad de Columbia en Nueva York en el MS-CCCP, donde se graduó con honores en 2018. En sus obras, a través de diversos formatos como la instalación, la escultura, la fotografía o el vídeo, investiga las relaciones contemporáneas entre la ficción y la materialidad, para así difuminar binomios entre lo real y lo imaginado, entre lo humano y lo artificial, entre lo natural y lo cultural.
Representado por la Galería Pradiauto (MAD), su obra ha sido expuesta en diferentes galerías y exposiciones internacionales, como Pradiauto (Madrid), Nordés Galería (Santiago de Compostela), CaixaForum (Barcelona), Centro- Centro 2022 (Madrid), Fundación Lacaixa 2022 (Bcn), Matadero 2019 (Madrid), John Doe Gallery 2018 (Nueva York), IIAF2018 (Nueva York), Poor Media Leuven 2016 (Bélgica), Espacio Las Aguas 2015 (Madrid), Mila Gallery 2014 (Berlín) entre otras.
Ha sido profesor asistente en el Barnard College de la Universidad de Columbia (Nyc) y en el Master de Arquitectura Avanzada de la ETSAM, y ha impartido varias conferencias en diferentes instituciones internacionales, museos y universidades. En 2020, recibió la Beca de Creación del Ayuntamiento de Madrid por su proyecto La Retina de los Mamíferos. En 2015, recibió el premio FAD por su publicación Desierto, y en 2016, fue galardonado con una de las prestigiosas becas de la Graham Foundation for the Fine Arts. En 2020 fundó el Instituto de Estudios Postnaturales, un centro de experimentación artística desde donde explorar y problematizar la postnaturaleza como marco para la creación contemporánea. En paralelo a la experimentación académica, la investigación y la práctica curatorial, desarrolla una práctica editorial a través de la plataforma Cthulhu books.
#8. CURADURÍA EXPANDIDA:
João Laia "La curaduría puede ser una herramienta especulativa?"
En el marco del ciclo de conversaciones sobre curaduría expandida, João Laia. Curador Jefe en KIASMA, Museo de arte contemporáneo de Helsinki.En esta conversación abordaremos el arte como un lugar donde se pueden examinar las dinámicas sociales, enmarcando la curaduría como una herramienta de comunicación especulativa, que emplea a la institución como un foro de debate e investigación. También nos interesa presentar una concepción de la realización de exposiciones como práctica discursiva verbal y no verbal, empleando una gramática construida a partir de la contaminación cruzada entre la obra de arte y el espacio físico.
Escritor y curador. Tiene una Maestría en Estudios Cinematográficos por el King’s College de Londres (2010) y una Maestría en Comisariado de Cine del London Consortium (2011). Durante 2012-13, completó el programa de investigación de posgrado CuratorLab en Konstfack, Estocolmo, seguido en 2014 por el programa de residencia curatorial de Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turín. Laia es el curador jefe de exposiciones del Museo Nacional de Arte Contemporáneo Kiasma, Helsinki, y curador de la 12ª edición de GIBCA – Göteborg International Bienal de Arte Contemporáneo (2023). Ha desarrolado proyectos colaborativos con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turín; la Galería Municipal de Oporto; con La Casa Encendida, Madrid; MAAT – Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología de Lisboa; la Bienal de Arte Joven de Moscú, MMOMA; con la Galería Whitechapel de Londres y la Bienal de Arte Contemporáneo Sesc_Videobrasil, São Paulo. Editó Encuentros Vivientes (Kiasma/Mousse, 2022) y A Multiple Community (Sesc, 2018) y publicado en revistas como Art Mensual, Flash Art, Friso, Mousse, Spike y Terremoto. Junto con Valentinas Klimašauskas, fue curador de la 14.a Trienal del Báltico (2021) titulada “The endless frontier” en el CAC – Arte Contemporáneo Centre, Vilnius; y en 2024 Klimašauskas y Laia serán comisarios del Pabellón de Lituania en la 60ª edición de la Bienal de Venecia, donde presentan el dúo de artistas Pakui Hardware.
Joao Laia
#9. CURADURÍA EXPANDIDA:
Pablo Lafuente "La curaduría puede ser un motor de cambio"
Si en lugar de partir de una noción de ‘lo que debería ser’, trabajamos con ‘lo que quiere suceder’, si nuestra práctica no es normativa y logra escapar de la dinámica teleológica, ¿sería posible afectar la situación y transformar algo en eso? ¿Qué tipo de transformaciones serían esas? En esta conversación queremos pensar en posibles modos de acción, en los contextos del arte, la cultura y más allá. Mirando varias entidades que son dos o más cosas al mismo tiempo, movimientos con orientación incierta o no resuelta.
Director artístico del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, propone pensar la curaduría y sus posibles modos de acción, en los contextos del arte, la cultura y más allá
Pablo Lafuente nació en España. Vive y trabaja en Río de Janeiro, donde es director artístico del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM Río). Miembro del Comité de Nominaciones de PIPA 2015 y 2023. Fue coordinador del programa educativo CCBB en Río de Janeiro (2018-20), curador en la Oficina de Arte Contemporáneo de Noruega, Oslo (2008-13) y editor en Afterall Books (2005-13). Trabajó como profesor en Central Saint Martins (2008-13) y en la Universidad Federal del Sur de Bahía (2015-16), y formó parte del equipo curatorial de Dja Guata Porã: Río de Janeiro Indígena (Museu de Arte do Rio , 2017-18) y la 31ª Bienal de São Paulo en 2014, entre otros proyectos expositivos.
Pablo Lafuente
#10. CURADURÍA EXPANDIDA:
Conversación entre Gliceria Tupinambá, Fernanda Pitta y Benjamín Seoussi "Curadurías en red: conectar hilos, coser memorias"
A partir de “Mantos”, la obra de Glicéria Tupinambá, líder y artista indígena que representará a Brasil en Venecia, se hace foco en el proceso de producción y movimiento de los nuevos mantos tupinambás realizados por la artista, así como en la historia de las piezas, para así pensar en las relaciones entre los pueblos y el proceso de dominación colonial y su resistencia.Los mantos tupinambás son objetos sagrados. Durante el período colonial de Brasil muchos fueron saqueados y llevados a Europa. Actualmente se conoce la existencia de once mantos originales, en todo el mundo. Fueron producidos entre los siglos XVI y XVII y la mayoría se conserva en museos etnográficos de Europa, donde son tratados como importantes piezas arqueológicas.El eje del encuentro, que cuenta con la participación de los investigadores Florencia Pitta y Benjamin Seroussi, es la recuperación de la técnica y la posibilidad de volver a confeccionarlos, para que vuelvan actualizados a sus comunidades y viajen por el circuito de exhibición.
Glicéria Tupinambá es artista y docente, autora del documental Voz de mujeres indígenas (2015). Desde entonces trabaja en el área audiovisual creando videos junto a grupos de jóvenes de la aldea Tupinambá da Serra do Padeiro, en Brasil. Realizó la exposición “Kwá Yepé Turusú Yuriri Assojaba Tupinambá / Esta é a Grande Volta do Manto Tupinambá”, en Brasilia (2021). Participó del programa de estudios “El conocimiento en la convivencia: lo que no veo también existe” – Pivô Pesquisa, en 2023. Entre otras exposiciones, participó en “Um Século Agora”, en Itaú Cultural; en “Atos da Revolta”, en MAM RJ, en 2022 y “Entre nosotros: diez años de Bolsa Zum/IMS”, en 2023. Participa de la exposición itinerante “Hãhãw: Arte Indígena Antirracista” que ya visitó Salvador, Fortaleza y continúa en 2023 en Cariri. Actualmente se encuentra en Casa do Povo con el proyecto “Manto em Movimento”, que consiste en una exposición de sus investigaciones sobre la recuperación de los mantos tupinambá y una itinerancia del Tupinambá da Serra do Padeiro Manto a través de instituciones, espacios culturales y pueblos de San Pablo, hasta el 9 de diciembre. También exhibe en el MASP el video “Cuando el Manto habla y lo que dice el manto” (2023), realizado en colaboración con Alexandre Mortagua. Glicéria estará en la 60ª edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia, entre el 20 de abril y el 24 de noviembre de 2024, con la exposición individual “Ka’a Pûera: somos pájaros que caminan” en el Pabellón Hãhãwpuá, nombre utilizado por la Pataxó para referirse al territorio que, antes de la colonización, se conocía como Brasil.
Benjamin Seroussi nació en Francia. Es comisario, editor y gestor cultural, actual director artístico de Casa do Povo. Tiene una maestría en sociología (Ecole Normale Supérieure, Ecole de Hautes Etudes en Sciences Sociales) y una maestría en gestión cultural (Sciences-Po). Fue director de programación del Centro de Cultura Judía entre 2009 y 2012; curador asociado de la 31ª Bienal de São Paulo (2013-2014), curador jefe del proyecto Vila Itororó Canteiro Aberto (2014 y 2018) y coordinador de Coincidencia, intercambios entre Suiza y países de América del Sur, un programa de tres años llevado a cabo por Pro Helvetia, Fundación Suiza para la Cultura (2017-2019). Escribe y habla habitualmente sobre comisariado, espacios autónomos y gestión cultural.
Fernanda Pitta es historiadora del arte y profesora del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. Es la investigadora principal del proyecto Decay financiado por Riksbanken Jubileumfonds. Fue becario de la Fapesp, AAMC y de la Fundación AAMC; becario del Clark Art Institute; de la Biblioteca Getty y profesorA visitante en Fakultet for kunst, musikk og design, Noruega. Entre 2014 a 2022 fue Curadora Principal de la Pinacoteca de São Paulo, donde presentó varias exposiciones, siendo la más reciente “Nadie hubiera creído: Alvim Corrêa y 10 artistas contemporáneos”; también se desempeñó como coordinadora curatorial de “Véxoa: sabemos”, comisariada por Naine Terena. Fue consultora de la exposición Raio-que-o-parta: Fições da Modernidade no Brasil, en el Sesc 24 de Maio, en São Paulo. Editó más de 10 catálogos y entre sus artículos académicos destaca “La ‘breve historia del arte’ y el arte indígena: la génesis de una noción y su problemática hoy”, Revista Modos, v. 5 norte. 3, 2021.